Die besten Filme des Jahres 2023 (bisher)

Während wir uns der Halbzeit des Jahres 2023 nähern, ist es an der Zeit, einen Blick auf das bisher beste Kino zu werfen: Wir haben unsere Favoriten aus den ersten sechs Monaten dieses Jahres zusammengestellt, von denen viele unter dem Radar geflogen sind. Bitte beachten Sie, dass dies ausschließlich auf US-amerikanischen Kino- und Digitalveröffentlichungen aus dem Jahr 2023 basiert.

Wir sollten auch darauf hinweisen, dass eine Reihe herausragender Filme, die letztes Jahr auf dem Festivalgelände Premiere feierten, ebenfalls eine Preisverleihung absolvierten, was sie nach unseren Maßstäben zu Filmen des Jahres 2022 macht – darunter „One Fine Morning“, „Saint Omer“ und „Return to Seoul“. Schauen Sie sich unten unsere Auswahl an, alphabetisch geordnet, gefolgt von ehrenvollen Erwähnungen.

Bist du da, Gott? Ich bin es, Margaret. (Kelly Fremon Craig)

Wie Judy Blumes geschätzter Klassiker für junge Erwachsene, Kelly Fremon Craigs Are You There God? It's Me, Margaret beginnt im Jahr 1970, als die 11-jährige Margaret Simon (Abby Ryder Fortson) die schlimmste Nachricht erhält, die ein in New York City aufgewachsenes Kind bekommen kann: Ihre Familie zieht nach New Jersey. Es ist nicht nur so, dass Margaret ihre kluge Großmutter Sylvia (Kathy Bates) oder ihre Freunde oder die Schule zurücklassen muss, sondern auch, dass das Alter von 11 Jahren oft das Ende der Welt bedeutet. Die erdrückende Verzweiflung, die die Jugend wie eine traurige Ewigkeit erscheinen lässt, ist Fremon Craigs Spezialität. – Fran H. (vollständige Rezension)

Asteroidenstadt (Wes Anderson)

Asteroid City ist ein schwüler, cremiger Western, der sich eher wie ein Urlaub anfühlt. Er ist ein absoluter Genuss, Andersons bester seit dem Grand Budapest Hotel. Es lädt geradezu dazu ein, sich zurückzulehnen, zu entspannen und zu genießen. Verdammt, es möchte vielleicht sogar, dass du ein Nickerchen machst, aber nicht aus Mangel an Unterhaltung. Wie die Charaktere von Asteroid City nur allzu gut wissen: „Man kann nicht aufwachen, wenn man nicht einschläft.“ Erinnere dich daran. – Luke H. (vollständige Rezension)

Die Struktur des menschlichen Körpers (Verena Paravel und Lucien Castaing-Taylor)

In einer aktuellen Folge von Amazons „The Boys“ war zu sehen, wie ein Superheld auf die Größe eines ungekochten Reiskorns schrumpft und in den Penisschaft seines Geliebten spaziert. Die Macher der Episode stellten sich diese Öffnung als eine dunkle Höhle vor, ganz nass und undicht, aber jetzt haben wir das Echte – wenn auch noch nass und undicht, pulsiert jetzt vor unangenehmem und unverkennbarem Leben. Dieses erstaunliche Bild, eines von vielen in De Humani Corporis Fabrica, wurde uns mit freundlicher Genehmigung von Verena Paravel und Lucien Castaing-Taylor zur Verfügung gestellt, einem Filmemacherduo, das den Zuschauern fast ein Jahrzehnt nach ihrem bahnbrechenden Meisterwerk Leviathan weiterhin neue und wichtige Sichtweisen eröffnet die Welt. – Rory O. (vollständige Rezension)

Godland (Hlynur Pálmason)

Mit einem Text auf dem Bildschirm, der erklärt, wie der Film von zurückgelassenen Fotos inspiriert wurde, die ein dänischer Priester im späten 19. Jahrhundert während seines Aufenthalts in Island gemacht hatte (im Gegensatz dazu, dass es sich 1995 tatsächlich um den Lieblingsfilm des amerikanischen Vorstadtkindes Andy handelte), übernimmt Godland die schwere Aufgabe eines historischen Objekts. Aber obwohl es sich hier tatsächlich um einen Film handelt, der einen Kampf zwischen Formalismus und fesselnder Dramaturgie führt, werden die Fragen, die er stellt, tatsächlich viel einfacher sein. Unser Stellvertreter für den namentlich nicht genannten Priester ist der junge Lutheraner Lucas (Elliot Crosset Hove), der von seinem eher gelangweilt wirkenden Vorgesetzten im Pfarramt damit beauftragt wurde, beim Bau einer Kirche im ländlichen Island zu helfen (er verbringt das Treffen nicht mit Essen, sondern mit Essen). Blickkontakt herstellen). Doch das ist keine leichte Aufgabe: Island ist ein wildes Land und Lucas‘ Wanderung führt ihn sozusagen in das Herz der Dunkelheit. – Ethan V. (vollständige Rezension)

Wie man eine Pipeline in die Luft jagt (Daniel Goldhaber)

Logan (Lukas Gage) trifft Shawn (Marcus Scribner), der ein Buch mit rotem Einband in der Hand hält, in einem Teil eines Buchladens, in dem beide Männer nach Gleichgesinnten suchen. Wir gehen davon aus, dass die Farbe darauf hinweist, dass er in Andreas Malms Sachbuch „How to Blow Up a Pipeline“ blättert, in dem der Autor Sabotage als legitime Form des Klimaaktivismus plädiert, gleichzeitig aber auch den sonst vorherrschenden Pazifismus und Fatalismus kritisiert. Es macht also Sinn, warum Logan schmunzelt, bevor er erzählt, dass es „nicht wirklich erklärt, wie man eine Bombe baut“. Das muss nicht sein, wenn es zahlreiche Ressourcen gibt, die dies bereits tun – Dinge, die Sie wahrscheinlich auf eine FBI-Beobachtungsliste bringen werden. Das ist nicht der Punkt. Der Punkt ist, dass diese Bomben gebaut werden sollten. – Jared M. (vollständige Rezension)

Menschliche Blumen aus Fleisch (Helena Wittmann)

Zu Beginn von Helena Wittmanns Spielfilmdebüt „Drift“ aus dem Jahr 2017 erzählt eine Figur eine papua-neuguineische Geschichte über die Entstehung der Welt. Als der Planet noch aus Wasser bestand, paddelte ein riesiges Krokodil ständig umher und verhinderte, dass sich der Sand absetzte. Erst nachdem ein Krieger das Tier abgeschlachtet hatte, entstand das Land. Ein paar Minuten nach „Menschliche Blumen des Fleisches“ erzählt ein Seemann eine weitere Legende, diese aus dem antiken Griechenland. Als er Medusa den Kopf abhackte, ließ Perseus ihn ans Ufer fallen; Die Algen absorbierten die versteinernden Kräfte der Gorgone und so entstanden Korallen. Wittmann hat ein Händchen für Mythen, und ihr Kino strahlt eine gewisse mythische Erhabenheit aus, ein Vergnügen, das so ursprünglich und unzeitgemäß ist wie die Geschichten, um die sich ihre Projekte drehen. Blumen wirken dadurch sowohl alt als auch neuartig. Es ist ein Film, dessen visuelle Experimente dazu einladen, die Welt neu zu sehen, auch wenn die Dämonen, die ihn antreiben, auf eine Leidenschaft für das Geschichtenerzählen zurückgreifen, die so alt wie die Zeit selbst ist. – Leonardo G. (vollständige Rezension)

Knock at the Cabin (M. Night Shyamalan)

Mit seinem Nervenkitzel im Twilight Zone-Stil, bei dem ein hochkarätiges, kleines Szenario mit Schnellkochtopf-Intensität erkundet wird, gibt „Knock at the Cabin“ M. Night Shyamalan die Fesseln, eine seiner beeindruckendsten Regieleistungen zu vollbringen. Darüber hinaus erweist er sich als einer der einfühlsamsten Regisseure, die heute auf Studioniveau arbeiten, und sorgt auch für Momente des Schreckens, wenn wir durch die allgegenwärtige Form einer Fernsehübertragung einen Blick auf apokalyptische Katastrophen werfen und das Undenkbare in einer verblüffenden Vertrautheit verankern. – Jordan R.

Pacifiction (Albert Serra)

„Pacifiction“ ist das, was Albert Serra als einen „unfuckable“-Film bezeichnen würde. „Unfuckable ist, man nimmt das Ganze oder man nimmt es nicht, aber man kann nicht auf einfache Weise ein kritisches Urteil fällen“, erklärte er uns 2019, „weil es so ist, wie es ist, und es nicht danach aussieht.“ jeder andere Film.“ Pacifiction sieht nicht wie jeder andere Film aus. Es schmeckt oder riecht auch nicht wie andere Filme, nicht einmal wie Serras eigenes, unverwechselbares Werk. Es wurde in einem Wettbewerb in Cannes uraufgeführt, bei dem es um hohe Wattzahl, aber niedrige Leistung ging, was geradezu nach einer Sensation schreit. Pacifiction ist diese Sensation: ein Film wie kein anderer in diesem Jahr, der gegen Ende der Verhandlungen erscheint, während die letzten Etappen des Festivals bereits in Sicht sind; Es kommt der Auswahl am nächsten, ein Meisterwerk abzuliefern. – Rory O. (vollständige Rezension)

Die Kinder anderer Leute (Rebecca Zlotowski)

Das von Rebecca Zlotowski inszenierte französische Drama Other People's Children hat eine einfache Handlung, die mit komplexen Ideen verbunden ist. Der Film folgt Rachel (Virginie Efira), einer 40-jährigen kinderlosen, alleinstehenden Lehrerin, und beobachtet, wie sie sich in Ali (Roschdy Zem) verliebt, einen Mann mit einer kleinen Tochter namens Leila. Rachel, die sich immer eigene Kinder wünscht, verbindet sich mit Leila und zwingt sie, sich mit ihren eigenen Ansichten über Mutterschaft auseinanderzusetzen. Zlotowskis Film entwickelt sich zu einer Studie über belauschte Gespräche und bissige Worte von Kindern, die es nicht besser wissen. – Michael F. (vollständige Rezension)

Vergangene Leben (Celine Song)

Ob winzig oder groß, die Millionen von Entscheidungen, die wir treffen, prägen den kurvenreichen Weg unseres Lebens. Spezifische Gründe für das Einschlagen bestimmter Weggabelungen gehen oft im Laufe der Zeit verloren und tauchen nur dann wieder auf, wenn unser Gedächtnis es zulässt. Das Regiedebüt der Dramatikerin Celine Song, Past Lives, ist ein nicht ganz romantisches Triptychon, das fast ein Vierteljahrhundert durchquert. Es untersucht solche universellen Erfahrungen mit ausgeprägter kultureller Spezifität und erzählt die Geschichte von Freunden aus der Kindheit, die sich später im Leben zweimal wiedersehen. Es ist ein warmer, geduldiger Film, der in einem ruhigen, kraftvollen, nachdenklichen Finale gipfelt, obwohl seine Summe größer ist als seine Teile, wenn die ersten beiden Abschnitte einen Hauch von Unterentwicklung erkennen lassen. – Jordan R. (vollständige Rezension)

Die Ebenen (David Easteal)

Die erstaunlichste Weltbildungsübung des Jahres fand nicht auf einem fernen Planeten statt, sondern in den Räumlichkeiten eines Hyundai Elantra. David Easteal lädt uns über drei Stunden lang dazu ein, der Heimfahrt zweier Kollegen zuzuhören. Nun ja, mehrere. „The Plains“ ist eine Montage von Autofahrten (insgesamt elf), die im Laufe eines Jahres aufgezeichnet wurden, wobei die Kamera auf dem Rücksitz platziert wurde, so dass wir von den beiden nur ein schräges Spiegelbild im Rückspiegel sehen. „The Plains“ ist ein seelenerfrischender Roadtrip macht uns vom Zuschauer zum Passagier. Ein reich strukturiertes Porträt eines Lebens, episch in der Größe und tiefgründig in der Weite. – Leonardo G. (vollständige Rezension)

Zurückspulen und abspielen (Alain Gomis)

Félicité-Regisseur Alain Gomis kehrte letztes Jahr mit „Rewind & Play“ auf die Festivalstrecke zurück und rekontextualisierte den Auftritt von Thelonious Monk in einer französischen Fernsehsendung aus dem Jahr 1969 in ein Erlebnis, das man nur als eine Parade des Grauens beschreiben kann. Sein geniales musikalisches Talent ist zu sehen, aber Gomis geht weit über die Standard-Musikdokumentation hinaus und konzentriert sich in einer Reihe von Outtakes auf die alberne, herablassende Art der Befragung des weißen Moderators. Während die hellen Lichter auf einen schwitzenden Mönch niederbrennen, entwickelt sich das Interview zu einem unangenehmen, aufschlussreichen Blick auf die voreingenommene Herabwürdigung einer Legende. – Jordan R.

MRT (Cristian Mungiu)

Wer Cristian Mungius ersten Film seit sechs langen Jahren auf Herz und Nieren prüfen möchte, sollte die Worte von Matthias, seinem jüngsten unterdrückten Protagonisten, beherzigen: „Menschen, die Mitleid empfinden, sterben zuerst“, erklärt er seinem 8-jährigen Sohn. „Ich möchte, dass du zuletzt stirbst.“ Zu viel? Probieren Sie die beredteren Gedanken des örtlichen Priesters aus: „Jeder hat seinen Platz in der Welt, wie Gott es bestimmt hat.“ Übersetzung: Geh dorthin zurück, wo du hergekommen bist. Der rumänische Filmemacher kehrt mit RMN zurück, einem Porträt Europas, vielleicht der Welt, in den Tagen des Spätkapitalismus. So bitter und beißend wie die Winterlandschaft, spielt Marin Grigore darin einen ungarischen Einwanderer in einem kleinen Dorf inmitten der verschneiten Wälder und weiten Berge Siebenbürgens. In klaren Blau- und Grautönen von Tudor Vladimir Panduru (Abschluss, Malmkrog) skizziert Mungiu die Stadt als modernes Babel: Es wird Rumänisch, Ungarisch, Französisch, Deutsch, Sri Lanka und Englisch gesprochen, und es herrscht ein unbehagliches Nebeneinander. Bald fragt man sich, wie lange. – Rory O. (vollständige Rezension)

Scarlet (Pietro Marcello)

In seinem vorherigen Film „Martin Eden“ und nun in „Scarlet“ hat Pietro Marcello einen neuartigen Weg gefunden, künstlerisches Streben darzustellen und es eng mit dem Konzept der Arbeit zu verknüpfen. Es ist auch etwas, das sich durch Jim Jarmuschs „Paterson“ zieht, in dem es um den gleichnamigen, Gedichte schreibenden Busfahrer geht: Beide Filmemacher haben dazu beigetragen, unsere Vorstellung vom Künstler als potenziellem „großen Mann der Geschichte“ und die ihnen oft zuteil gewordene Vergöttlichung zu entmystifizieren. Der angehende Literaturexperte von Martin Eden und zwei Künstler und Handwerker von Scarlet sind stattdessen in einen edlen Kampf verwickelt, ein bisschen wie der ewige Arbeiterkampf um Marcellos anderes Hauptinteresse: das des linken politischen Denkens. – David K. (vollständige Rezension)

Auftauchen (Kelly Reichardt)

Zwei Jahre nach First Cow, den wir gemeinsam zu unserem Lieblingsfilm des Jahres 2020 gekürt haben, kehrt Kelly Reichardt mit einem Werk zurück, das wie eine Strichzeichnung aussieht: ordentlich, schlank, eindrucksvoll. Bei „Showing Up“ geht es um Kunst, wie Kunst gemacht wird und um die Menschen, die ihre Zeit dafür nutzen. Darin ist Michelle Williams zu sehen, eine Schauspielerin, die schon immer den ruhigen Rhythmen von Reichardts Filmemachen treu geblieben ist und im Laufe der Jahre in „Wendy und Lucy“ (2008) als glücklose Herumtreiberin auftritt, einer Siedlerin auf der Planwagenspur Meek’s Cutoff (2011) und als Frau, die von einem herabwürdigenden Mann belastet wird, in der Anthologie des Regisseurs „Sichere Frauen“ (2016). – Rory O. (vollständige Rezension)

Lauquen-Zug (Laura Citarella)

Es gibt viele Filme, die mit einem Paukenschlag beginnen, und viele, die am Ende ihren Höhepunkt erreichen. Es gibt weniger, die mit einer bewusst kalibrierten, orgiastischen Halbzeitnote begeistern. Dies (neben vielen anderen Qualitäten) macht das betörende, formverändernde Epos Trenque Lauquen der argentinischen Regisseurin Laura Citarella zu einer Seltenheit. Die erste Hälfte des 250-minütigen Films (der auch in zwei Teilen auf Festivals gezeigt wird, was durchaus machbar ist und wahrscheinlich zu einem anderen Seherlebnis führen würde) endet mit einer wortlosen Szene der Kontemplation, die abrupt zu einer Titelsequenz für die Ewigkeit übergeht. Dieser brutale Übergang ist eine Überraschung – nicht nur, weil Sie in den zwei Stunden, die Sie gerade verbracht haben, nichts auf das grelle Blitzlicht und den fiesen Electro-Beat vorbereitet haben, der die Credits-Liste begleitet. Es fühlt sich auch wie ein Versprechen an, wie eine Herausforderung: „Glaubst du, das ist genug Kuriosität für einen Film? Wir fangen gerade erst an.“ So erschöpft oder ratlos man an diesem Punkt auch sein mag, der süße Adrenalinstoß dieses wahnsinnig selbstbewussten Zwischenspiels wird die Herzen höher schlagen lassen, wie es das beste Kino tut. Aber fangen wir noch einmal von oben an. – Zhuo-Ning Su (vollständige Rezension)

Unrest (Cyril Schäublin)

Das beste Wort, um Unrest zu beschreiben, ist „clever“. Es ist nicht auf der Ebene der Handwerker und Denker, die es liebevoll porträtiert – all der Graphiker (Geo, Carto, Photo) und der Ists (Social, Anarch, Horolog usw.) –, aber nicht so weit entfernt; und mehr als genug, um ihrer Geschichte würdig zu sein. Bedenken Sie die nette Dualität des Titels. „Unruhe“, wie der Film erklärt, ist ein anderer Name für die Unruh einer Armbanduhr: ein Instrument, das im Zusammenwirken mit der Spirale und der Hemmung den Mechanismus erzeugt, der sie ticken lässt. Dann gibt es noch die andere Art. – Rory O. (vollständige Rezension)

Du verletzt meine Gefühle (Nicole Holofcener)

In einer Landschaft, die größtenteils ihren Sinn für Comedy verloren hat, fühlt sich jeder Film von Nicole Holofcener wie eine Offenbarung an. Obwohl es ihr um mehr geht, als nur das Publikum zum Lachen zu bringen, wird ihre Gabe für Humor unterschätzt, und ihr neuestes Werk, „You Hurt My Feelings“, ist genauso einfühlsam, aufschlussreich und witzig wie ihr bestes Werk. Das Risiko mag als gering eingeschätzt werden, aber das ist nur im Vergleich zu der schlecht wahrgenommenen Vorstellung, dass das Publikum mit überkomplizierten, überzogenen Erzählungen gesättigt werden muss, die über alltägliche menschliche Probleme hinausgehen. Für diese Charaktere könnte der Einsatz nicht höher sein, und es ist erfrischend zu sehen, wie ein Regisseur die großen emotionalen Konsequenzen kleiner, aber bedeutender Handlungen untersucht. – Jordan R. (vollständige Rezension)

Anerkennungen

While the above list features our favorite films through June, the rest of the summer has more to look forward to, including Earth Mama (July 7), Afire (July 14), Kokomo City (July 28), Passages (August 4), Our Body (August 4), Problemista (August 4), The Eternal Memory (August 11), The Adults, a Sibling Drama of Raw Emotion">The Adults (18. August), Bottoms (25. August) und Before, Now & Then (25. August) zusammen mit einigen Blockbuster-Angeboten von Greta Gerwig, Christopher McQuarrie und Christopher Nolan, die wir hoffentlich liefern.